Cote et valeur des oeuvres, dessins, peintures de Emile Boggio

Peintre postimpressionniste d’origine Vénézuélienne, Emile Boggio (1857-1920) représente un véritable pont culturel entre la culture française et vénézuélienne et s’impose comme l’un des principaux peintres impressionnistes latino-américains.

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Cote et valeur de l’artiste Emile Boggio

Considéré comme l’un des principaux peintre postimpressionistes latino-américain, Emile Boggio connaît de son vivant une certaine notoriété sur le marché.

Après sa mort, sa cote diminue légèrement avant de remonter et de se stabiliser ces dernières années. Surtout présent sur le marché français, américain et vénézuélien, l’artiste s’impose comme une valeur montante du marché de l’art.

Ainsi, une œuvre signée de sa main peut être adjugée des dizaines de milliers d’euros aux enchères. Son huile sur toile Le moulin de Périgny a été adjugée plus de 76 000 €. 

Ordre de valeur allant du plus basique au plus prestigieux

Style et technique de l’artiste Émile Boggio

Émile Boggio est apprécié de ses contemporains et reçoit le soutien de nombreux artistes, dont Renoir. Son œuvre s’articule autour de trois périodes distinctes, chacune marquée par des influences et des recherches stylistiques différentes. 

Avant 1900, il s’inscrit dans une esthétique symboliste, sous l’influence de Pierre Puvis de Chavannes. Il adopte une palette sobre et un langage pictural emprunté aux canons académiques.

Cette période, bien que plus rare sur le marché, est particulièrement recherchée, et certaines toiles peuvent atteindre plusieurs dizaines de milliers d’euros aux enchères. 

À partir du XXe siècle, Boggio se tourne vers le postimpressionnisme. Fasciné par la lumière, il s’inspire des recherches de Monet et Van Gogh. La touche devient plus libre, la couleur plus fragmentée, et ses paysages gagnent en vibration. Ses œuvres de cette période, régulièrement présentées en salle des ventes, peuvent dépasser les 10 000 €. 

Enfin, la photographie occupe une place importante dans son travail. Il l’utilise comme un outil d’étude, capturant des instants et affinant ses compositions. Bien que nombreuses, ses photographies restent rares sur le marché et demeurent aujourd’hui peu connues.

Boggio et l’impressionisme

Émile Boggio (1857-1920) manifeste très tôt un intérêt pour l’art, mais suit d’abord une formation commerciale avant de se consacrer pleinement à la peinture. Formé à l’Académie Julian, il expose dès 1887 au Salon des artistes français et se fait une place dans les cercles artistiques parisiens.

Son style évolue au fil du temps, passant d’une influence symboliste à un postimpressionnisme lumineux, inspiré par Monet et Van Gogh. Ses recherches sur la couleur et la lumière lui permettent de se démarquer, et ses paysages vibrants séduisent les amateurs d’art. 

S’il s’établit principalement en France, il reste attaché à ses racines vénézuéliennes et effectue plusieurs séjours dans son pays natal, où il contribue activement au développement artistique local. Il enseigne la peinture, transmettant son savoir à une nouvelle génération d’artistes.

Proche des grands peintres de son époque, il entretient des relations avec Renoir et Pissarro et s’intéresse aussi à la photographie, qu’il utilise comme support d’étude pour ses compositions. 

En 1919, affaibli par la maladie, il se retire à Auvers-sur-Oise, où il continue à peindre jusqu’à sa mort en 1920. Ses toiles, aujourd’hui redécouvertes, témoignent d’une recherche picturale sensible et raffinée, et suscitent un intérêt croissant sur le marché de l’art.

Focus sur Le jardin en fleurs, Émile Boggio

Émile Boggio s’inscrit dans la lignée du postimpressionnisme, et Le Jardin en fleurs illustre parfaitement sa démarche artistique. La composition s’articule autour d’un foisonnement végétal où l’artiste exploite une touche dynamique et fragmentée.

L’application de la couleur par petites touches juxtaposées renforce l’effet de vibration lumineuse et témoigne d’une assimilation des recherches de Monet sur la perception optique. 

Le choix chromatique repose sur une gamme de verts, de jaunes et de rouges, nuancée par des contrastes subtils qui rythment la toile.

L’interaction des tons chauds et froids accentue la profondeur et donne du relief aux feuillages. Cette approche s’inscrit dans la continuité des expérimentations impressionnistes, tout en se démarquant par une structuration plus marquée du motif.

Boggio ne cherche pas uniquement à capter un instant fugitif, mais à élaborer une vision plus construite de la nature. 

L’organisation spatiale de l’œuvre repose sur une perspective suggérée par des masses colorées, plutôt que par un tracé rigoureux.

Cette volonté de retranscrire une impression plutôt qu’une réalité figée se retrouve dans le traitement des fleurs et des feuillages, où la matière picturale semble presque en mouvement.

L’artiste parvient ainsi à un équilibre entre spontanéité et rigueur, où la touche reste libre sans céder au chaos. 

Par cette œuvre, Boggio affirme une identité plastique singulière. Son approche du paysage, oscillant entre observation et interprétation, lui permet de s’imposer comme une figure incontournable du postimpressionnisme.

Ses toiles, bien que moins connues du grand public, sont aujourd’hui appréciées des amateurs et collectionneurs.

L’empreinte de Émile Boggio sur sa période

L'empreinte stylistique d'Émile Boggio sur son époque s'affirme dans sa capacité à transgresser les canons établis par les mouvements précédents tout en en intégrant les enseignements essentiels.

Il parvient à infuser ses compositions de lumière et de fluidité, empruntant à l’impressionnisme son traitement vibrant de la couleur et à ses contemporains, comme les postimpressionnistes, l’exigence d’une recherche plus construite de l’espace pictural.

En ce sens, son œuvre ne se contente pas de refléter les influences mais les transforme pour affirmer une approche personnelle de la nature, et du paysage en particulier.

À travers ses toiles, il s’engage dans une quête presque sensorielle, cherchant à capter non seulement la lumière et les couleurs mais aussi l’atmosphère d’un instant suspendu.

Ses scènes de jardins, de rives ou de forêts deviennent des lieux de méditation visuelle où la nature se déploie dans toute sa richesse chromatique.

La matière devient mouvante sous ses coups de pinceau, la touche se fait plus libre, parfois plus texturée, sans pour autant renoncer à une composition soignée.

Son regard se distancie ainsi de la simple transcription de la nature, lui insufflant une nouvelle profondeur émotionnelle et esthétique.

L’artiste, en s’intéressant particulièrement à la lumière, lui attribue un rôle central dans la construction de ses paysages. L’atmosphère s’imbibe de cette lumière qui colore chaque aspect de l’environnement, des feuilles des arbres aux fleurs en passant par les vagues de l’eau.

Sa recherche picturale, guidée par une modernité déjà affirmée, s’inscrit ainsi dans une tension subtile entre le visible et l’invisible.

Cette quête de la lumière, des nuances et des ombres, s’impose comme un legs durable dans l’art de la première moitié du XXe siècle.

Les influences artistiques de Émile Boggio

Les influences stylistiques d’Émile Boggio sont multiples, et témoignent d’un dialogue constant avec les grands mouvements artistiques de son époque. D’emblée, l’artiste, par ses premières œuvres, se rapproche de la tradition académique et puise dans les canons des maîtres classiques, tout en cherchant à s’en affranchir.

Très tôt, son regard se tourne vers l’impressionnisme, et, à travers l’étude de la lumière et de la couleur, il s’approprie une palette éclatante, où les teintes vives se juxtaposent pour capter l’instant, la variation subtile de la nature.

De cette école, il retient la vivacité des touches et l’importance du motif fugitif, tout en veillant à ce que ses paysages ne se limitent pas à un simple exercice de captation de l’atmosphère.

Au contact de l’impressionnisme, Boggio fait la rencontre des postimpressionnistes. C’est dans l’étude de Claude Monet qu’il approfondit son approche de la lumière, des reflets et de la texture, cherchant à restituer le mouvement de la lumière dans toute sa fluidité, tout en y insufflant une dimension plus intime.

De Vincent van Gogh, il capte la puissance expressive de la couleur, et cette énergie qui transcende la forme pour atteindre un degré d’intensité émotionnelle. Il est également proche stylistiquement d’artistes comme Sydney Thompson ou Virginie Demont Breton.

Toutefois, à travers cette réappropriation, l’artiste ne cherche pas simplement à imiter, mais à intégrer ses influences dans une démarche personnelle, à la fois plus poétique et plus rigoureuse dans la structure de ses compositions.

Cette quête de la lumière et du mouvement est enfin enrichie par sa passion pour la photographie, qui lui permet de saisir des instants précis avec une acuité rare, tout en introduisant une rigueur dans la composition de ses scènes.

Ce regard photographique, ce sens aigu de la capture de l’instantanéité, nourrit son œuvre et l’amène à transcender les limites des influences pour proposer un langage visuel unique, d’une grande modernité.

Sa signature

Les œuvres d’Émile Boggio ne sont pas toutes signées.

Même s’il y existe des variantes, voici un premier exemple de sa signature :

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